26.3.14

A Mi Novia Linda... ♥

  
Bolivar Peralta
"La Novia Que Tengo"
1998

Tracks:

01 - La Novia Que Tengo
 02 - Que Decida Ella
03 - Sin Tu Amor Soy Un Cobarde
04 - Asi Comenzo Nuestro Amor
05 - Tu Nuevo Calmante
06 - Dejate Querer
07 - Permitame Señora
08 - Nuestro Ayer
09 - Rico En Sentimiento
10 - Un Amor Que Ya Murio
11 - Nunca Se Sabe
12 - Asi Es El Amor (Merengue)
  
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Bolivar Antonio Peralta Camilo

Biografia por Rincon del Amargue

Este talentoso interprete de la bachata,nacio en 1948 en el municipio de tenares, salcedo. hijo de Jose Peralta y Eufemia Camilo.
Narra que su incursion en la musica nace de manera accidental,  aunque desde pequeño sintio inclinacion por la musica y el canto.
Bolivar Peralta compartia la agricultura en su tierra natal con el canto, dice, que en el conuco los muchachos me decian que no trabajara, sino que le animara cantando mientras ellos trabajaban.
En la epoca que el cantautor de amargue decide lanzarse al ambiente musical, ya nombres como: Luis Segura, Miguelito Cuevas,
Julio Jaramillo, Jose M Calderon, Rafael Encarnacion, entre otros ya se dejaban escuchar.
En 1974 Bolivar Peralta logra vender su primera composicion "Historia de Amor" al señor Francisco Flores por el precio de150 pesos y para 1977 grabo el sencillo "Samaritana" al Señor Jesus Lopez, (el compa).
Hace su llegada a Santo Domingo en 1988 motivada por la continuacion de la carrera bachatera, ya que para ese tiempo la agricultura no representaba ningun sutento.
En 1989 Peralta inicia su carrera musical, junto a Manolito de la Cruz  con un pequeño grupo para tocar en lugares publicos, un año despues formo parte del conjunto "los melodicos".
En 1992 formo su primer conjunto llamado "Los Inigualables" la Historia musical de este cultivador de la bachata, esta contenida en una 11 producciones detacandose otros exitos como: el caballo blanco, me gusta esa hembra entre otras.
En la nueva estapa de su carrera  el artista lanza una nueva produccion bajo el sello R&L del Señor Roque Cruz, titulada Mujer de mis sueños, popularizando mas su carrera con los exitos: se que volveras, la vida es una tombola y mujer de mis sueños.
Peralta  esta convencido que gracias  al tratamiento mas depurado en la letras de las composiciones de bachata, este ritmo se ha catapulado a niveles de popularidad insospechados por el.
Es por ello que siempre se ha preocupado por imprimirle a sus canciones una lirica romantica y si doble sentido, por tal razon, este artista es reconocido hoy por  sus compañeros de arte como uno de los mejores compositores de todos los tiempos.
Bolivar, mas adelante lanza otra producion titulada la novia que tengo considerando este trabajo musical, como uno de los mas importante en su carrera.
En esta ultima entrega musical, el cantautor expresa su fino sentimiento y no abandona el romantisismo que lo ha caracterizado a lo largo de su exitosa trayectoria musical. "la novia que tengo" fue la segunda producion que el artista lanzo bajo el sello R&L.
Bolivar Peralta se define como un fiel seguidor de las composiciones romanticas, por esto a su composiciones le imprime su estilo y su voz depurada.


"La Novia Que Tengo"
 
Tengo la novia mas linda
la mas concentida
que sone tener

Ella me quiere, me entiende
me envuelve me lleva
y me vuelve a traer

Y como un loco quiza
cada dia mas
mas la quiero yo

Estoy viviendo locuras
por esa criatura
que dios me mando

Estoy viviendo locuras
por esa criatura
que dios me mando

CORO
La novia que tengo
es una dulzura

Es una manzana
no es una alma dura

Es todo mi sueno
es mi alegria
asi la deseaba
asi la queria

La novia que tengo
es una dulzura

Es una manzana
no es una alma dura

Que novia mas linda
(Tengo yo)

Que novia mas buena
(tengo yo)

Que novia mas linda
(tengo yo)

Mi novia es perfecta
(tengo yo) 
 
 

18.3.14

Mais Cavaquinho

   
Luciana Rabello
2000
  
Tracks:
    
01. De bem com a vida Ouvir   
(Luciana Rabello)   
02. Velhos chorões Ouvir   
(Luciana Rabello)   
03. Pitangueira Ouvir   
(Cristóvão Bastos, Luciana Rabello)   
04. Morena Ouvir   
(Cristóvão Bastos)   
05. No balanço da Luciana Ouvir   
(Avena de Castro)   
06. Manga rosa Ouvir   
(Jonas Pereira da Silva)   
07. Cá entre nós Ouvir   
(Raphael Rabello, Luciana Rabello)   
08. Valsa do trovador Ouvir   
(Cristóvão Bastos, Paulo César Pinheiro, Luciana Rabello)   
09. Flor de sapucaia Ouvir   
(Cristóvão Bastos, Luciana Rabello)   
10. Flor de jacarandá Ouvir   
(Luiz Moura, Cristóvão Bastos, Luciana Rabello)   
11. Queixa antiga Ouvir   
(Cristóvão Bastos, Paulo César Pinheiro, Luciana Rabello)   
12 Beliscando o cavaquinho Ouvir   
(Sérgio Reis)   
  
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 Biography  
 
by Alvaro Neder

Luciana Rabello has had noted participation in the support of the choro genre. One of the few soloists of cavaquinho, she participated, with her brother Raphael Rabello, in several groups. She was also in the Camerata Carioca, one of the most important choro groups of the '70s and '80s, which counted on, among other talents, Radamés Gnattali. She has been recording with important names of Brazilian music and released her first solo album in 2000, through her own label, Acari Records.

Rabello began to learn the violão (acoustic guitar) with her grandfather at age six. She also studied classical piano for five years. At 13, she started to write her own compositions. In 1975, she formed the choro group Os Carioquinhas with her brother Raphael and members Paulinho do Bandolim, Théo (six-string violão), and Mário (pandeiro), and she switched to the cavaquinho. Soon Maurício Carrilho replaced Théo, and Celsinho Silva (percussion) joined the group. With the dissolution of the Os Carioquinhas in 1978, Luciana, Raphael, Carrilho, and Silva were invited by Joel Nascimento to accompany him at Radamés Gnattali's "Retratos" suite. Excited with the result, Radamés decided to join the formation and the Camerata Carioca was created. The group, which blended elements of choro and erudite music, had a prominent role in the revitalization of the genre.

After her departure of the Camerata (together with Raphael and Silva) for her solo work, she has been accompanying names (in recording sessions and live shows) like Elizeth Cardoso, Paulinho da Viola, Cristóvão Bastos, Francis Hime, Chico Buarque, Martinho da Vila, Joel Nascimento, Baden Powell, Toquinho, Copinha, and Abel Ferreira. In 1981 and 1982, she toured Europe. She married Paulo César Pinheiro in 1985. Jonas, the cavaquinho player of the Época de Ouro, dedicated the choro "Manga Rosa" to her, which she recorded on her first solo album, Luciana Rabello, released in 2000 through her own label (with Maurício Carrilho) Acari Records, which specialized in artistic popular music.

  


16.3.14

Flute & Guitar


Mie Ogura & 
Atanas Ourkouzounov
False Classic
2011

Tracks:

01 - Rada
02 - No Mystery
03 - Bul-Bop
04 - "Musica Ricercata" Allegro Con Spirito
05 - "Musica Ricercata" Rubato-Lamentoso
06 - "Musica Ricercata" Vivace
07 - "Musica Ricercata" Vivace-Energico
08 - "Three East Tales" N°1 the Fox's Dance
09 - "Three East Tales" N°2 the Red Elf's Lullaby
10 - "Three East Tales" N°3 Dracula's Caprice
11 - Spain
12 - Take the "A" Train
13 - Macedonian Song
14 - Bulchenska Ratchenitsa

Works by Ligeti, Corea, Ourkouzounov, Ellington, Papasov.

Mie Ogura: flute
Atanas Ourkouzounov: guitar

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Flute

  
Born in Japan 1973, Mie Ogura started to play the flute at age 7.
In 1989, she finished her studies at the Takamatsu Music Highschool in Japan and obtained the first price in the National students Flute Competition in Osaka.

In 1994,Mie Ogura moved to France,and in 1999 graduated with Diplôme Supérieur from Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris under Pierre-Yves Artaud and Sophie Cherrier.. then obtained an improvisation diploma under the tutelage of Alain Savouret.
She also studied baroque flute with Pierre Séchet and jazz improvisation Jean-Charles Richard, as well as indian music with Patrick Moutal.

In 2001 she obtained a scholarship from the Academia Musicale de Siena(Italy) under Aurèle Nicolet(flute) and Alain Meunier(chamber music), also worked with Franco Donatoni.They highly appreciates her playing.

Her playng is called"The fan of sound",since 1995 Mie Ogura has appeared regulary as a soloist and chamber musician with different ensembles and orchestras,among others,Ensamble Sphota(improvisation),Ensemble L’Itinéraire,Ensemble Entretemps(contemporary music),Orchestre pour la paix(Classical), Compagny Robinson(contemporary Danse) etc...and invited in many festivals in the world (Europe,America,Canada,Australia,Japan..)

Her improvisation playng in also appreciated from many jazz and classical musiciens such as Loelle Léandre(cb), Glenn Ferris(tb), Masataka Hirano(Sax), Shin-Ichi Fukuda,Kazumi Watanabe, Carlo Domeniconi(gt) and many others.

Mie Ogura has recorded with the ensemble Triton2 (Label MFA,France) and Ensemble Ourkouzounov (Label KLE,Italy),and Duo with Atanas OURKOUZOUNOV (Label Varié in Japan and Label H&S Paris) also edited the jazz flute beginners book « Flute Jazz Coffeebreak », published in 2005 at Edition Trim (Japan).

Her favorite musiciens is Miles Davis,Roland Kirk,Chick Corea,Keith Jarrett,Hari Prasad Chaurasia etc....

Flute and imrovisation professor at the Jacques Ibert Conservatory in Paris,and Conservatory in Sucy en Brie.
  

Guitar
  
  
Atanas Ourkouzounov (b. 1970 in Burgas, Bulgaria), a leading figure in Bulgaria’s contemporary music, is winning international fame both as a guitarist and as a composer. His music features the asymmetric rhythms and modal harmonies typical of his homeland but, like Béla Bartók, Ourkouzounov (pronounced Oor-koo-ZOO-nov) uses regional traditions as a point of departure from which he ranges widely in an intu-itive and personal way. Whereas Bartók’s muse was the piano, Ourkouzounov’s muse is―fortunately for guitarists―the guitar. Ourkouzounov has written over 60 works for guitar―solos, duos, trios, quartets, instrumental ensembles, and two concerti―a number of which have won important prizes, and a majority of which have been published by leading publishers.

Atanas Ourkouzounov performs widely as soloist, with his wife the Japanese flautist Mie Ogura, and with the Ourkouzounov Ensemble (two guitars, flute and cello).
In addition to three CDs on which Ourkouzounov plays, more than 30 CDs of his music performed by others are currently available.

Ourkouzounov is also in demand as a teacher and juror at conferences and conservatories in Europe and Japan and he holds a full-time position at the Conservatoire “Maurice Ravel” in Paris.

Atanas Ourkouzounov grew up in Sofia, Bulgaria, where he began guitar studies with Dimitar Doitchinov.

Starting in 1992, he continued his studies in France with Arnaud Dumond, Alexandre Lagoya and Olivier Chassain. He studied guitar, chamber music, analysis, ethnomusicology and improvisation at the Paris Conservatory and graduated in 1997 winning by unanimous vote the First Prize in guitar.

Six years before he went to Paris, he started to compose. He was 16 years old and had been playing guitar only one year. For fun, he began changing details in pieces he was learning and then he wrote his first piece―3 Inventions―using the baroque idiom and subject of a fugue he was studying. He became intoxicated with composing and soon started using melodies, rhythms, and modal harmonies of Bulgarian folk music. At the same time, he was avidly listening to recordings, especially Arthur Honegger’s Symphonie N°5 and Igor Stravinsky’s Rite of Spring and Petrushka.To this day, Igor Stravinsky, György Ligeti, Ludwig van Beethoven, and Claude Debussy are among Ourkouzounov’s favorite composers.

While at least a trace of Bulgaria is always present in Ourkouzounov’s music, in the last eight years he has also written pieces he calls “dedications” in which he composes his own music
from the point of view of other composers and/or idioms―for example, Caprice d'après Paganini(which imagines a "new” Paganini as he might exist today); Fantaisie d'après Kapsberger (which draws on elements of 17th-century music for archlute); and Toryanse
Tales(which uses a Japanese folk theme).

Ourkouzounov is also fascinated by timbre and idiomatic colorisitic effects ―as explored for example in Light Echoes from Star -light―5 Nocturnes, in the Reflet guitar duos, and above all in the Visions Chromatiques N°1for guitar solo and the Visions Chromatiques N°2 for voice, violin, mandola, and guitar.

Ourkouzounov feels the “timbre” works are more contemporary and abstract―and perhaps more personal― than his pieces in which Bulgarian elements prevail.

Ourkouzounov enjoys performing flute-guitar duos with his wife. Typical programs are two Ourkouzounov works alongside arrangements and original music by diverse composers―for example, pieces by Chick Corea, Keith Jarrett, Béla Bartók, and Claude Debussy―as well as arrangements Ourkouzounov calls “postcards” (folk music from countries such as Mali, Japan, Bulgaria, Brazil, and India). As a listener, Ourkouzounov loves performers such as the conductor Carlos Kleiber, the pianists Grigory Sokolov and Keith Jarrett, and many jazz or folk-jazz musicians―for example, the Bulgarian clarinetist Ivo Papazov, the Bulgarian flautist Theodosii Spassov and the group Shakti (especially the guitarist John McLaughlin and the tabla player Zakir Hussain).
 


 
*♥


 

14.3.14

Pourquoi le ciel est-il bleu...

  
Alberto Cruzprieto
Bleu
1999

Tracks:
    
01. Danzas nocturnas - Luis Jordá (5:45)
02. Mélancolíe - Francis Poulenc (5:14)
03. Barcarole no. 1, op. 26 - Gabriel Fauré (3:52)
04. Prélude, fugue et variation - César Franck (10:30)
05. Berceuse - Ricardo Castro (3:13)
06. Mazurca - Manuel M. Ponce (3:12)
07. Sonatine - Maurice Ravel (10:22)
08. Paysage - Ernest Chausson (3:07)
09. La cathédrale engloutie - Claude A. Debussy (6:28)
10. La fille aux cheveux du lin - Claude A. Debussy (2:45)

Recorded in Auditorio Blas Galindo of the National Arts Centre, on Nov. 12-13, 1997
  
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 Alberto Cruzprieto, piano

La carrera de Alberto Cruzprieto es una de las más interesantes en nuestro medio musical y no puede ser medida con los parámetros tradicionales de concursos ganados y premios obtenidos.

Poseedor de una excelente técnica, Alberto se encuentra componiendo con la difusión de la buena música bien ejecutada. No en balde directores de la talla del fallecido Eduardo Mata lo seleccionaron como solista para presentaciones y grabaciones.

La música de cámara ha sido su principal ámbito de trabajo, donde es invitado con frecuencia por los mejores grupos. Por otro parte, su nombramiento como Concertista de Bellas Artes le permite dedicar parte importante de su tiempo a ejecutar no sólo las grandes obras del repertorio para piano, si no difundir composiciones que han sido injustamente olvidadas.

Otro de sus campos de acción favoritos es el de la música de nuestro siglo y a las propuestas de música nueva para el piano. Testimonio de esto son las múltiples grabaciones hechas para radio y televisión, y que abarcan tanto el repertorio pianístico como música de cámara, en las que Alberto ha participado. Es invitado imprescindible para todas las actividades relacionadas con la difusión de la música nueva que se realiza en el país. En 1992 grabó el Concierto para piano y alientos de Stravinsky, con la Camerata, bajo la dirección de Eduardo Mata, así como un disco en Londres junto a la mezzo-soprano mexicana Encarnación Vázquez.

Recibió en 1990 la Beca del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. Recientemente ha participado en conciertos con artistas de la talla de Pierre Amoyal, Stephanie Chase y el Cuarteto Latinoamericano. 


 

12.3.14

Postcard from Portugal


CUIDA DE L TOU BICHO is a animal health project based in Atenor, a village in the municipality of Miranda do Douro in Portugal. The group of veterinary assists all kinds of animals, with particular relevance to Mirandese autochthonous species.

The northeastern region, in particular the Mirandese Plateau is very rich culturally. It has strong traditions, from gastronomy to music and all of its folklore. It also preserves the best one that is perhaps its greatest treasure, the higher value of its identity: the Mirandese, or Lhengua Mirandesa. Considered the second official Portuguese language, it is to this day taught to all children and whoever wants to learn.

10.3.14

El Piano Argentino - tres

  
Magali Goimard
Argentine Piano Music

Pavane ADW 7353 - 1995

Tracks:   

Remo Pignoni

01. 4 Danses: En Septima (Chacarera)
02. 4 Danses: Como Queriendo (Zamba)
03. 4 Danses: Chumbeao (Gato)
04. 4 Danses: Por El Sur (Huella)

Astor Piazzolla

05. 3 Prlds: Leijia's Game
06. 3 Prlds: Flora's Game
07. 3 Prlds: Sunny's Game

Carlos López-Buchardo

08. Bailecito
09. Sonatina

Carlos Guastavino

10. 2 Cantilenes: Cantilena N.10 (La Casa)
11. 2 Cantilenes: Cantilena N.2 (Abelarda Olmos)

Juan José Castro

12. Tangos: Evocation
13. Tangos: Lloron
14. Tangos: Compadron
15. Tangos: Milonguero
16. Tangos: Nostalgico

Alberto Ginastera

17. Danzas Argentinas: Danza Del Viejo Boyero
18. Danzas Argentinas: Danza De La Moza Donosa
19. Danzas Argentinas: Danza Del Gaucho Matrero
  
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Magali Goimard interprète un répertoire éclectique couvrant trois siècles de musique avec une prédilection pour les oeuvres rares à redécouvrir. Sa discographie comprend des premiers enregistrements d'oeuvres de musique argentine pour piano (Pavane Records), l'unique oeuvre de musique de chambre de Maurice Duruflé avec le Trio Maurice Duruflé (cd Quantum) et récemment un cd consacré aux oeuvres de Louis Vierne pour violoncelle et piano (BNL). Après une médaille d'or obtenue avec félicitations à 15 ans au Conservatoire de Poitiers, elle réunit les diplômes supérieurs d'exécution et de concertiste pour le piano et la musique de chambre à l'Ecole Normale de Musique de Paris "Alfred Cortot".

En 1992 elle est lauréate de plusieurs concours internationaux : Prince's Trust, Européennes de musique de chambre d'Illzach, Sélection internationale Musique Espérance par Miguel Angel Estrella. A l'écoute de la musique d'aujourd'hui, elle interprète et crée de nombreuses oeuvres. Ceci l'a amenée à jouer la musique de Bruce Taub à New York, celle de Niels Rosing Schow au Danemark ou de Hugh Wood à Londres, en présence des compositeurs. Dans un autre domaine, Magali Goimard s'intéresse à la poésie et à la chanson française qu'elle interprète avec ses propres compositions au Festival d'Avignon en 2013. 
 
 
 

El Piano Argentino - dos

  
Hilda Herrera
Yupanqui en piano
2000

Tracks:

01: Piedra y camino - Zamba - A. Y. (3:48)
02: La nadita - Chacarera - Pablo del Cerro ( 1:58)
03: El arriero - Canción - A. Y. (3:38)
04: Vieja danza querida - Chacarera - A. Y. (2:56)
05: La raqueña - zamba - A. Y. (3:32)
06: Lloran las ramas del viento - Vidala litúrgica - A. Y. (3:46)
07: Sin caballo y en Montiel - Milonga entrerriana - A. Y.  y P. del Cerro (3:44)
08: El bien perdido - Chacarera - P. del Cerro (2:33)
09: La arribeña - Zamba - A. Y. (3:40)
10: El alazán - Canción - A. Y. y P. del Cerro (3:08)
11: Chacarera de las piedras - Chacarera - A. Y. y P. del Cerro (2:10)
12: Agua escondida - Zamba - P. del Cerro (3:24)
13: Recuerdos del Portezuelo - Canción - A. Y. (4:03)

Autor: Atahualpa Yupanqui

Arreglos para piano de Hilda Herrera

Hilda Herrera, piano
   
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Hilda Herrera

Premio Konex 2005: Solista Femenina de Folklore

Nació el 20/10/1933. Pianista y Compositora. Directora de distintas instituciones vinculadas a la música argentina. En 1992 y 1996 viajó a Francia invitada por el Conservatorio Chatillon y al Séptimo Rendez-vous International du Piano en Creuse en representación de la música argentina en piano. Autora de temas como: Zamba del Chaguanco, Navidad 2000 y La Poncho Colorado. Su discografía es: Señales Luminosas (1997), Yupanqui en piano (2000), La Diablera (2005) y Gardel (2010). Realiza conciertos y dicta cursos en Argentina, Latinoamérica y Europa. En 1997 la ONU premia su placa Señales luminosas como aporte a la música argentina para piano. En 2002 crea el CIMAP, Creadores e Intérpretes de la Música Argentina en Piano en el marco de la Dirección Nacional de Música que nuclea a jóvenes pianistas dedicados a la composición, arreglos e interpretación tanto en música de raíz folklórica como en tango. Académica Emérita de la Academia Nacional del Tango desde 2007. En 1996, la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires la distinguió por su trayectoria.
  

  
Hilda Herrera es una artista excepcional. Ha recibido una formación de pianista clásica, pero en su ciudad natal, Capilla del Monte (Córdoba) esta formación fue impregnándose de los ritmos, formas y melodías folclóricas que marcaron definitivamente la orientación de su carrera.

Los instrumentos criollos, la percusión y la voz humana, el alma de la música popular, han sido el suelo fecundo para el piano de Hilda Herrera. En la búsqueda de esta autenticidad, ella ha trasladado todas las sutilezas de los ritmos, de los ataques, de las respiraciones, creando así en el piano una paleta sonora excepcional por su riqueza.

Hilda Herrera ha trabajado musicalmente la obra de grandes poetas y amigos como Margarita Durán, Antonio Nella Castro o Atahualpa Yupanqui, creando verdaderas joyas del cancionero argentino.

Como docente e intérprete a recorrido el país y el exterior formando músicos y mostrando la música argentina de raíz popular, que en un ida y vuelta, ambas se deben la vida.

Trayectoria docente:

Ha recorrido el país dictando cursos, dando conferencias y clases ilustradas sobre la música de raíz folclórica  tanto para pianistas, docentes, músicos y público en general.

Trayectoria artística:

Como intérprete ha recorrido todos los escenarios de Argentina y en el exterior en ciudades como Kleinkems (Alemania); Basilea, Arau, Berna, Chur y Zurich (Suiza); Agen, Bordeaux y Paris (Francia), Bogotá (colombia), Caracas (Venezuela). Coordinó y dirigió durante 4 años, junto a Juan Falú, el ciclo “Maestros del Alma”, declarado de Interés Cultural por el Senado de la Nación Argentina.

TRABAJOS DISCOGRÁFICOS:
Como solista:

Al calor de la tierra (1978)
Señales Luminosas (1992)
Yupanqui en piano (2000)
La diablera (2005)
Gardel en piano (2010)

Como invitada:
 En vivo en Argentina (2005)
Cecilia Todd Suerte Loca (2005)
Bardos Cadeneros

DISTINCIONES:

1996- La Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires, la distingue por su trayectoria artística
1997- Premio de la ONU por el disco Señales Luminosas como aporte a la música argentina para piano.
2004- La Academia Nacional del Tango presidida por el maestro Horacio Ferrer la designa Académica Titular de dicho organismo.
2005- Fundación Konex: diploma al mérito como solista femenina de folclore de la última década.


listen, you don't stumble upon a record like this quite often.. listen.


9.3.14

El Piano Argentino - uno

  
Adolfo Abalos
El Piano de Adolfo Abalos
2000

Tracks:

01 - Saludo musical de los Hermanos Abalos
02 - Nostalgias santiagueñas
03 - Chacarera coplera
04 - De pago en pago voy
05 - Zamba de la lejanía
06 - Chacarera de Ishiku
07 - Por el río Uruguay
08 - Esa mocita churita
09 - Agitando pañuelos
10 - Copla para la más vieja de las truncas
11 - En pleno Nueva York
12 - De los Angelitos
13 - Por el río Paraná
14 - Pebeta linda yo te quiero
15 - Zamba de mi pago
16 - Despedida musical de los Hermanos Abalos
17 - Santiago del Estero
  
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 About the Artist:

Member of the mythical set "Ábalos Brothers", the pianist and composer Adolph Ábalos (Bs. Ace, 1914) is referring and masterful of the Argentine folklore, composer of many subjects that have sung and continue singing many generations of musicians and public of their counry. This anthological CD reunites his more important creations interpreted on piano by its author.

   
Adolfo Ábalos

Premio Konex 2005: Solista Masculino de Folklore

Nació el 14/08/1914. Desde sus comienzos profesionales, en el treinta, alternó su calidad de ejecutante y compositor con la investigación en el campo del folklore. Durante seis décadas, su importante labor quedó asociada a la larga trayectoria recorrida junto a sus hermanos, Los Hermanos Ábalos (PK), precursores de agrupaciones folklóricas surgidas posteriormente. Su primer trabajo discográfico solista, El piano de Adolfo Ábalos (2000), fue distinguido con el Premio TRIMARG 2000 de la UNESCO. Es autor de famosos temas como Agitando pañuelos, Chacarera del rancho, Nostalgias santiagueñas, Carnavalito quebradeño, Zamba de los yuyos, El gatito de Tchaikovsky, La juguetona y Casas más, casas menos. Fue uno de los pioneros en introducir el piano en el folklore.

Su arte dio varias veces la vuelta al mundo. Fue autor de varios tangos, intérprete de piano y comentarista de folklore y arte nativo. Falleció el 12/05/2008.


De 1914 : Nace en Buenos Aires, Adolfo Armando Ábalos, músico, pianista, compositor, cantor, bailarín. Al año ya vivía en tierras santiagueñas. El segundo de los hermanos Abalos. Estudió farmacia y bioquímica. En 1938 con Machingo en la noche porteña hacen conocer zambas y chacareras en piano. Autor con sus ñaños de “Agitando pañuelos”, “Carnavalito quebradeño”, “Nostalgias santiagueñas”, “Chacarera del rancho” y “Chacarera de los angelitos” (con Díaz), entre casi 140 temas registrados. Muere a los 93 años.

4.2.14

Postcard from Lybia

 Ox with lyre-shaped horns - Acacus (Fezzan), southern Libya.



10.1.14

Mas Agua

  
Water Fantasies
Liszt - Fauré - Chopin - Ravel - Debussy
Eduard Stan, piano
2002

Tracks:

FRANZ LISZT (1811-1886)
01. Les jeux d’eau à la villa d’Este     8:18
02. Au lac de Wallenstadt 3:39
03. Au bord d’une source 4:28
04. “Auf dem Wasser zu singen” (Schubert – Liszt) 4:34
   
GABRIEL FAURÉ (1845 – 1924)
05. Barcarolle No. 9 in A Minor, op. 101 4:49
06. Barcarolle No. 5 in F sharp Minor, op. 66     7:21
07. Barcarolle No. 3 in G flat Major, op. 42     8:22
08. Barcarolle No. 8 in D flat Major, op. 96     3:49
   
FRÉDÉRIC CHOPIN (1810 – 1849)
09. Prélude in D flat Major, op. 28 No. 15 “Raindrop”     5:20
   
MAURICE RAVEL (1875 – 1937)
10. Jeux d’eau     6:18

CLAUDE DEBUSSY (1862 – 1918)
11. Reflets dans l’eau     5:13
12. Poissons d’or     4:24
13. L’Isle joyeuse 6:43
  
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 “This compilation of nature descriptions by means of the water element has been long overdue: Composers such as Liszt, Fauré, Chopin, Ravel or Debussy have written corresponding works, which the Romanian pianist Eduard Stan renders with a lot of atmosphere.
The enumeration of those composers points to a common style which was basically pursued in France, the impressionism…
Pianist Eduard Stan, a Transylvanian award-winner of various prizes, brings out the sounding stream most subtly. He succeeds in modelling sound values and moods, condensing them to extreme tensions despite his apparent lightness of playing.
In particular, he manages to put the listener into a meaningful relationship with the subject of
water: you listen to a lucidly lapping murmur and flow…”

teb (author), 28 May 2003

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„Water Fantasies“ is the motto of this CD which gives a selection of piano works concerning water. Piano music, as it were “inspired by the sound of water and the musical whim of fountains, waterfalls and brooks” (says Ravel about his “Jeux d’eau”) – piano sounds allowing the imagination of the listener to wake with manifold associations: barques, islands, fish…
text & piano:




 

5.1.14

Agua

  
Japan: The Spirit of Water
1999

Tracks:
 
1. Shinrabansyo (All Creation) by Synergy - from Taiko (15021) - 5'23"
2. Zangetsu (Waning Moon) by Masayuki Koga - from Eastwind (17067) - 11'01"
3. Daha (Pounding Wave) by James Ashley Franklin - previously unreleased - 5'21"
4. Haru no Umi (Spring Sea) by Tomoko Sunazaki - from Tegoto (17068) - 7'00"
5. Ise (The Sea of Ise) by James Newton - from Echo Canyon (13012) - 5'39"
6. The Wave by Synergy - from Matsuri (13081) - 6'44"
7. Mountain Stream by Honoka - from Water Spirits (13160) - 6'19"

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Japan: The Spirit of Water is a superb exploration of Japanese tradition—the mastery of Japanese musics and spirit—emphasizing the link between the culture of Japan and the influence, or spirit, of water featuring both traditional and non-traditional techniques.

In the realm of music, or the art of sound (ongaku) as it is termed in Japanese, the fascination with water is something which cuts across stylistic or historical boundaries: new developments proceeding from traditional forms provide new vehicles for the embodiment of, amongst other sentiments, the spirit of water. This embodiment may be explicitly programmatic in nature, the program then often containing elements of the human world as well as the non–human environment. A famous and popular piece of this kind is Haru no Umi (Spring Sea) from the early 20th century. Although originally scored for the common combination of koto and shakuhachi, many arrangements of this piece now exist, including some for western instruments. The image of this piece proved to be so powerful that Haru no Umi has achieved the status of a national heritage heard virtually everywhere in Japan on New Year's Day.

The combination of koto and shakuhachi, in recent times, has become a musical exploration drawing on the traditional style and extending them as reflected in Mountain Stream with its melodic and harmonic structure based on tradition with an improvised musical process which is not traditional.

Japan is also the land of percussion sounds, the taiko. It appears in two of Japan's main dramatic forms, Nô and Kabuki, and is central to festival (matsuri) music as reflected in The Wave. Shinrabansyo (All Creation) combines taiko with shinobue (a Japanese transverse bamboo flute).

Raintree stems from a Japanese composer trained in Western composition. Ise is a piece by a Western composer/performer who has assimilated Japanese influences into his playing of non–Japanese music and instruments.